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表现。
有一种颜色从未被用在圣母玛利亚身上，那就是绿色。绿色有强烈的异教意味，被认为是自然的颜色，而玛利亚是超自然的。绿色还和生育能力有关，正如红色用在女人身上代表淫荡和放纵一样。因此，绿色被天主教会贬低成了凡俗的颜色，而蓝色则是天堂的颜色。于是，红和绿成为玛利亚·抹大拉的专用色彩。她还可以穿金色的衣服。在圣母玛利亚身上，金色代表高贵；而在抹大拉身上，它代表着贪婪。
综上所述，这两位女性在色彩上的区别就在于：圣母玛利亚的衣服主要是蓝色、紫色和灰色的，而玛利亚·抹大拉的衣服主要的绿色、红色和金色的。通过这个方法，她们在绘画中很容易被区分开来（见图37，38，39，40）。而在每个隐修会的传统中，玛利亚·抹大拉都可以穿各自修会的长袍，象征虔诚和赎罪。
加图37《飞往埃及途中小憩》
38读书的玛利亚·抹大拉
39玛利亚·抹大拉
40耶稣与玛利亚·抹大拉
高里（伊尔·巴奇奇奥）创作的《空坟旁的三个玛利亚》就是这种色彩分类的最佳应用实例。圣母玛利亚穿着与众不同的蓝袍，玛利亚·抹大拉的衣服上有红、绿、金三种颜色。正如图12中所示，在与圣杯相关的绘画中，抹大拉的色彩安排是画家的重点；而耶稣拥有后代这一意义重大的主题却由某些固定的象征隐秘地表达出来。其中的最佳代表就是杰拉尔德·大卫在名作《飞往埃及途中小憩》中发明的一串葡萄。
在文艺复兴鼎盛时期，佛罗伦萨和米兰画派的意大利画家获得了极高的社会地位，梅第奇和斯福尔扎等公爵家族都成为他们的资助人。由于他们不一定要依靠教会作为收入来源，因此在创作主题上有更大的自由，有时甚至画出有异教特点的作品。在那一时期，有关抹大拉的艺术作品主要出自隐修会，这类题材的著名画家包括安吉利科教士和乔托。拜占庭画派的画家也创作出许多抹大拉的肖像画，而佛兰德和德国画家主要致力于创作抹大拉在普罗旺斯时期的作品。
正是在浪漫主义精神席卷意大利、抹大拉主题创作环境更宽松的这段时期，大量非传统的圣母肖像作品出现了。这些作品似乎是在嘲弄教会的规定。其中最引人注目的画家就是年轻的“绘画王子”拉斐尔。他是一位隐喻大师。和作品《骑士的梦》（1504年）所表达的一样，拉斐尔的《结婚》（圣母玛利亚和约瑟结婚的场景）中也描绘了一位高大、精力旺盛的约瑟，和此前的画作截然不同。他以公认的色彩密码创作了许多圣母玛利亚的肖像画，但同时也有让人迷惑不解的作品。
许多画家都喜欢在作品中小小挑战一下规则，表现自己的个性，这是很常见的。但如果他们玩得过火，那么笔下的人物要么无法辨认、要么不被接受。大多数画家还是会创作大家熟悉的画面。例如，他们肯定不会画耶稣被吊在树上的作品（《使徒行传》所描述的），因为大家所熟悉的是耶稣被钉在十字架上的场景。但拉斐尔是离经叛道的。从他的画室中产生了许多非比寻常的圣母和圣婴像，圣母的面容和衣服的颜色都公然蔑视了约定俗成的规矩。
教皇使者波德沙·卡斯蒂廖内伯爵声称这些圣母像中的人物并不是圣母玛利亚，并因此质问拉斐尔。拉斐尔回答说这些画中人物本来就不是她。在伯爵进一步施加压力时，拉斐尔写信给伯爵说“她们只是想像中的人物”。
其中两幅就是书中的图42和。在这些小图中很难看清，图中母子的头上都有金色的光环。婴儿头上的光环中还有一个十字架，这是基督教的传统标志。因此，如果像拉斐尔自己所说，这些画中的人物不是圣母玛利亚，那么她们是谁呢？从绘画角度上说，拉斐尔在创作时总是力求精确，在这些作品中他并没有打破约定俗成的规矩。他准确无误地使用了色彩密码。画中的圣母穿着玛利亚·抹大拉专用的红色和绿色的衣服。加图42《圣母与圣婴》43《圣母子》

第十五章　列昂纳多·达·芬奇

蒙娜丽莎
在第一章中我们已经提到，很多绘画已举世闻名，但大家却对其中的人物却知之甚少，肖像画《蒙娜丽莎》就是典型的例子。英语的国家的人称其为MonaLisa，法国人称其为LaJoconde（卢浮宫使用的名字），而在意大利——画家进行创作的地方，人们把它称为LaGioconda。蒙娜丽莎这个名称实际是近代的讹误，她原本的名字应该是M'onnaLisa，在更早则应是MadonnaLisa（即我的女士丽莎）。
我们讨论这幅作品的主要的原因是，丹·布朗在他的小说《达·芬奇密码》里提到了和抹大拉有关的一些艺术概念。我必须要提醒大家，首先，这是一部小说，里面有一些虚构的内容是很正常的，整个故事的主线就是寻找耶稣和玛利亚·抹大拉的Desposunic传人。一般来说，小说的作者并不期待读者会相信这些虚构的故事情节。然而近来的影视作品被创作得越来越接近真实事件，《达·芬奇密码》也有同样的影响力。因此很多人对小说中的事件信以为真，就好像是从新闻里看到的一样。
例如小说中的罗伯特·兰登教授（一位哈佛大学的符号学者）说明，蒙娜丽莎的名字来源于古埃及的阿蒙和伊希斯，后来被讹传为Amonl'Isa，然后不知何故变成了MonaLisa。他声称这一点就足以证明这幅肖像画中的人物原本是男女同体的，既非男性也非女性，而是两性神圣的结合体，这也是大家认为画中人神秘微笑的原因。
作者在书中假设，列昂纳多从来就不知道他的画被命名为蒙娜丽莎，这一点其实很明显。就算你跟他说LaJoconde或是LaGioconda，他也不可能知道那是什么。因为所有以前的记录都将此画冠名为Courtisaneauvoliedegaze（即戴着薄纱的高级妓女）。
兰登还称，画作的背景左低右高，也传达了该画的双性意图。这样的想象在小说情节中无可厚非，但在现实中纯属无稽之谈。人左眼的视像聚焦要比右眼的高，这是众所周知的。因此，从古至今的画家，在实际创作中都会对左边做出额外的补偿——通常是一棵树、某个物体，有时会是颜色较深的岩石。
而列昂纳多的方法是把背景左边画低一些，让水从右至左流动，利用女人的头部掩饰两边的高度落差。如果他没有这样做的话，这画将大失光彩。这种对背景的处理在艺术上被称为“达芬奇技巧”。这使观赏者无论从哪个角度都能跟画中人对视，从而使作品产生栩栩如生的效果。另一个有趣之处是，画作的中垂线正好穿过丽莎女士的左眼，这与列昂纳多在肖像画《吉内芙拉·德·本奇画像》和《抱貂女郎》中的风格是完全相反的。在这两幅画中，人物的头部都向着另一个方向。把面部作为主要描绘对象并突出眼睛的画风在文艺复兴时期的肖像画中非常盛行。
在作画时的精确计算和调整并非简单的工作。画家必须依据一个被普遍应用于建筑学的数学原理，这就是黄金分割律。它又被称为“欧几里得定律”，同样用于印刷和水彩画装帧。画像与画框之间留下的空白或是框线都是有精确要求的。一位绘画装帧指南的作者曾说：“黄金分割的近似比例是5比8，其数值是0。618比。我做过的所有优秀设计都应用了黄金分割。”
如果需要加衬边（就算是在印刷蒙娜丽莎这样的经典之作时），也必须做出适当的调整，来维持画作的平衡，否则视觉的美感将大大降低。如果画家不是列昂纳多一级的大师，并且在创作时没有精心设计，那么额外调整就更加重要。正因为如此，在给绘画加衬边的时候，一般会采用比作品更深的底色。如果想让这种平衡趋于完美，使用黄金分割来计算就显得尤为重要。
《蒙娜丽莎》能亨有今天的盛誉，很重要的原因就是画中应用了大量剖面黄金分割（也称典雅几何学）。列昂纳多在这幅画的每一个部位都应用了黄金分割原理，似乎他是在修建哥特式大教堂。单是画中人脸部所用到的黄金分割矩形就比大多数作品全部所用的还多。有些网站甚至用动画对此加以示范，这也是该作品被公认为世界上最伟大的绘画之一的又一原因。在丽莎头部的所有矩形中，最关键的就是把她的整个脸部，从头顶一直到上衣顶部都包含在内的矩形。他在《吉内芙拉·德·本奇画像》和《抱貂女郎》中使用了同样的技巧。而在这个矩形中最关键的，就是从丽莎的发际线到下巴那个矩形。
1978年，在电脑绘图大师莉莲·施瓦茨（AT列昂纳多不一定爱玩恶作剧，但他完全称得上是工程师。他在创作绘画时应用的工程学标准已足以用来建造桥梁。在他当年给米兰的路德维奇奥·斯福尔扎公爵的亲笔信中，曾要求自己被聘用为军事和宫廷工程师，而非画家。那是1482年，他在离开佛罗伦萨时写的信。
作为一位渴求知识的学者和将数学应用于艺术创作的典范，列昂纳多最早表现出解剖学重要性的作品就是著名的《维特鲁威人》。和在他之前的罗马建筑师维特鲁威一样，列昂纳多对人体的结构也进行了仔细研究，发现了人体构造与几何学的密切关系。在1世纪的论文《论建筑学》中，维特鲁威阐述道：
肚脐是人体自然而精准的中心。如果一个男人平躺在地面，手脚伸展开，据此画出的圆的圆心就在肚脐处。我们还可以据此找到一个正方形……如果我们从脚底量到头顶，从左手指尖量到右手指尖，宽度与高度也是相等的，就像用尺子画出的正方形一样。
以此为基础，列昂纳多将黄金分割精确地运用在了建筑学上。简而言之，这个定律就是：“将一根直线分成两个不同的等份，短线和长线的比例等于长线和直线的比例。”在希腊数学里，黄金分割率被称为（？）phi，以区别勾股定理中的（π）pi，π同样是以黄金分割率计算出来的。
“列昂纳多的《维特鲁威人》”
那么，丽莎女士又是谁的情妇呢？她第一次被提及是在安东尼奥·德·比提斯（那不勒斯国王阿方索二世的同父异母兄弟）的日记中。他在克卢城堡拜访列昂纳多时看到了还未完成的画作，随后就将画中人称为“佛罗伦萨女士”。
在列昂纳多众多习作中能看出，他会先画出人物的裸体像，使人物的身体更符合解剖学的标准，然后再加上衣服。丽莎女士也不例外（见图35）。加图35《蒙娜丽莎》——习作
他的水彩画和炭笔素描现珍藏于夏特利城堡康帝博物馆。比起用黄金分割做过优雅改动的成品，这些手稿要更忠实于原来的人物（见图34）。加图34《蒙娜丽莎》成品中的人物形象往往是画家精益求精的结果，而非他们的本来面目。“实际”的几何图形被画家提升为“合意”的几何图形。这样的实例在画家对眼睛的安排时很常见。在同比例的头部画像中（头顶到下巴的比例与真人相同），眼睛应该处于头部的中线位置，但是画家们常常在创作时把眼睛的位置抬高一些，因为这样在视觉上更具美感。同理，在裸体的习作中，女人的乳房也会被提高一些，在实际的支撑点上方。
1550年，意大利画家兼传记作家乔尔乔·瓦萨里，将列昂纳多的画中人物称为丽莎·迪·安东·玛利亚·迪·诺多·切拉蒂尼女士。她是安东·切拉蒂尼的女儿，于